Comité de selección: Agnès Pe, Bob Moricz y Jorge Núñez.


Lugar / Place: Puerta
C/ Zabalbide 17, Bilbao (Vizcaya, País Vasco)
http://espaciopuerta.wordpress.com
Entrada con precio libre

PROGRAMA

Lunes, 18 enero / Monday, 18 january
17:00 Performance de comienzo (Jorge Núñez)
17:15 Flor azul (Raul Domingues, 2014, 70’)
18:45 Cloud of skin (Maximilian Le Cain, 2015, 83’)
20:30 Pisspants (Frankie Symonds, 2014, 92’)

Martes, 19 enero / Tuesday, 19 january
17:00 Mondlicht (Michael Steinhauser, 2014, 53’)
18:15 Amalgama (Juanjo Aranguren, 2015, 45’)
19:45 Imperial eyes (Pablo Marte, 2015, 52′) *

Miércoles, 20 enero / Wednesday, 20 january
10:00 ~ 20:00 Taller: El Pop del Terror (Storm And Drunk)

Jueves, 21 enero / Thursday, 21 january
10:00 ~ 16:00 Taller: El Pop del Terror (Storm And Drunk)
18:00 Sesión SAD, taller y película colectiva
20:00 Suggestive gestures (David Finkelstein, 2014, 75’)

Viernes, 22 enero / Friday, 22 january
17:00 fausto2 (Pedro Navarro, 2015, 46’)
18:30 Charlotte. Grey. Rocks. (Lorea Alfaro, 2015, 65’)
19:45 Dusty stacks of mom. The Poster Project (Jodie Mack, 2013, 41’)
21:30 Joc inútil The Movie (Pau Magrané, 2015, 70’)

Domingo, 8 de mayo – 12:00 / Tabakalera (Donostia, Guipuzkoa)
Hand Crash Made (Sergi Botella)
Elbis Rever y los videoclips

*Sesión en Cineclub FAS info
Aviso: Todas las proyecciones contarán con la presencia de las cineastas, excepto Flor Azul, Cloud of skin, Pisspants y Dusty Stacks of mom The Poster Project.
Note: Every screenings will happen with the presence of the filmmakers, but Flor Azul, Cloud of skin, Pisspants and Dusty Stacks of mom The Poster Project.

Director: Jorge Núñez
Colaboran: Puerta, Tabakalera, Cineclub Fas y Eremuak

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INFO PELÍCULAS

Flor azul
Raul Domingues, 2014, 70’
Versión original con subtítulos en inglés
1.33 – en color y estéreo – hecho en 2013 y 2014 en un pequeño pueblo en Leiria, Portugal – con una cámara mini panasonic DV que cabe en el bolsillo.
“Poda-me em janeiro
Empa-me em fevereiro
Cava-me em março
Verás o que eu te faço”
“Pódame en enero
Átame en febrero
Desentiérrame en marzo
Verás lo que haré para tí.”
Esto es un refrán popular dicho por mi abuela sobre la vendimia y en cierta manera sobre esta película. Un año filmando lo que me rodea en la casa donde crecí y todavía crezco.
“Prune me in January
Tie me up in February
Dig me up in March
And you’ll see what I’ll do to you.”
This is a popular saying said by my grandmother about the grape harvest and in a way about this film. A year filming what surrounds me in my home where I grew up and still grow.

Cloud of skin
Maximilian Le Cain, 2015, 83’
Versión original en inglés
Irlanda 2015, 84 mins, Color & Blanco y negro
Experimental Film Society / Close Watch Films
Escritor/Director/Editor: Maximilian Le Cain
Productores: Rouzbeh Rashidi / Dean Kavanagh / Maximilian Le Cain
Cámara: Maximilian Le Cain / Rouzbeh Rashidi / Dean Kavanagh
Banda sonora: Karen Power
Con: Dean Kavanagh, Eadaoin O’Donoghue, Siannon O’Neill
Cloud of Skin, el primer largometraje del cineata experimental Maximilian Le Cain, es una historia de un amor fantasmal en un paisaje encantado. Poseído por los recuerdos de una mujer ciega con poderes visionarios, un hombre vuelve al lugar de su romance. En lugar de desplegarse con una narrativa tradicional, Cloud of Skin es una inmersiva y ensoñada exploración de la memoria y la visión. Su ritmo fracturado y maravilloso imaginario arrastran al espectador a un mundo poético de aislamiento romántico hacia una intensidad visual propia del cine mudo. La película no tiene apenas palabras y es impulsada por los potentes paisajes sonoros de la compositora Karen Power, los cuales intensifican la atmósfera de otro mundo. Filmada en varios formatos, se hace un un expresivo uso de los contrastes entre las texturas del vídeo digital, el vídeo analógico y el celuloide.
Cloud of Skin está producida por Experimental Film Society (EFS), un colectivo internacional de cine con sede en Dublín, donde sucede la nueva ola de cine experimental irlandés. Los co-productores de la película son cineastas de EFS: Rouzbeh Rashidi y Dean Kavanagh. El versátil Kavanagh es también el protagonista masculino de la película.
Cloud of Skin, the first feature by experimental filmmaker Maximilian Le Cain, is a story of ghost love in a haunted landscape. Possessed by the memory of a blind woman with visionary powers, a man revisits the sites of their love affair. Rather than unfolding as a traditional narrative, Cloud of Skin is an immersive and dreamlike exploration of memory and vision. Its fractured rhythm and gorgeous imagery draw the viewer into a poetic world of romantic isolation that aspires to the visual intensity of silent cinema. The film is almost wordless and is driven by composer Karen Power’s compelling soundscapes which intensify the otherworldly atmosphere. Shot on a variety of formats, it makes expressive use of the contrasting textures of digital, video and celluloid elements.
Cloud of Skin is produced by Experimental Film Society (EFS), an international film collective based in Dublin that is notably at the centre of a new wave of Irish experimental cinema. The film’s co-producers are EFS filmmakers Rouzbeh Rashidi and Dean Kavanagh. The multi-talented Kavanagh is also the movie’s leading man.

Pisspants
Frankie Symonds, 2014, 92’
Versión original en inglés
Escrito por Jeffrey Power y Frankie Symonds
Filmado, editado y dirigido por Frankie Symonds
Con Jeffrey Power, Duncan Browne, Annie Smith, Jeremy Hetherington, Frankie Symonds, Anthony DiBartolomeo, John Kelly y Kimberly O’Toole.
Música por Josiah Simmons y Jessie Joy.
“¿Qué ocurre cuando mezclas un payaso sin hogar, un comediante tetrapléjico, un policía estreñido, una femme-fatale identificada como “fondo gay”, un camello fumado y escato-obseso llamado Gravy? PISSPANTS, eso es lo que ocurre. La última creación del prolífico niño demoníaco de Boston, Frankie Symonds (co-escrita por la estrella de la película Jeff Power), PISSPANTS es una largometraje exploitation del lado manchado de Beantown. Ambientada en los paisajes más emblemáticos de Nuestra Justa Ciudad, PISSPANTS sigue los meandros de un desafortunado payaso, totalmente sin suerte y buscando el amor – y comida – mientras bebe de su botella de putrefacción intestinal en las laderas de Boston. Pobre, solo y cubierto de pintalabios, Pisspants da vueltas y anda a trompicones hacia la explotación pervertida de sus conocidos, actuando como un peón inocente en sus juegos de placer.” – Tara Nelson, cineasta, artista y educadora.
“What happens when you mix a homeless clown, a quadriplegic operatic comedian, a constipated cop, a femme-fatale identifying as a “gay bottom”, a stoner camel and scat-obsessed sidekick named Gravy? PISSPANTS, that’s what happens. The latest creation by Boston’s own prolific demon child, Frankie Symonds (co-written by the films’ star Jeff Power), PISSPANTS is a feature-length exploitation of the taint(ed) side of Beantown. Set in the most iconic landscapes of Our Fair City, PISSPANTS follows the meanderings of an unfortunate clown, down on his luck and looking for love – and food – while drinking from his bottle of rot-gut on the budding hillsides of Boston. Poor, lonely and covered in lipstick, Pisspants rolls and stumbles his way through the perverted exploits of his miscreant acquaintances, playing an innocent pawn in their sullied, pleasure-seeking games.”- Tara Nelson, filmmaker, artist, and educator.

Mondlicht
Michael Steinhauser, 2014, 53’
Versión original con subtítulos en inglés
HD color
Mondlicht pretende abrir nuevos caminos, entre el humor y la sensación de estar perdido el espectador es conducido a través de las entrañas rotas de un edificio, pasando por estructuras de color e imágenes de recuerdos perdidos. Algunos capítulos han sido fijados para presentar una cuadrícula que ayuda a manejar uno mismo la experiencia de esta pieza de arte. MONDLICHT es un ensayo cinematográfico sobre la fabricación de la última salida de uno mismo. Revela la potencia del tabú de la muerte. La película fue enteramente creada por el director, cámara, sonido, edición, guión, entrevistas.
Mondlicht claims to break new ground. between humor and feelings of being lost the spectator is led through broken guts of a building, passing along color structures and pictures of lost memories. Some chapters has been set to present a grid helping to handle oneself the experience of this piece of art. MONDLICHT is a cinematic essay about making one’s last exit. It is revealing the potency of the taboo of dying. The movie was mainly created by the director himself, camera, sound, editing, script, interviews.

Amalgama
Juanjo Aranguren, 2015, 45’
A la búsqueda y captura de realidades cotidianas de mi entorno más inmediato.
Esta película surge de la improvisación (pensamiento-acción), o mejor dicho, de microscópicas improvisaciones reunidas y combinadas en cortometrajes (reflexión) que a su vez, combinados entre sí, producen este mediometraje, proyecto inacabado, largometraje por hacer, por concluir(?).
Debo agradecer la inestimable colaboración del compositor Alex Mendizabal que en 2.014 sonorizó con entera libertad el cortometraje “PHOTOmacoGRAPHO” y que aquí ocupa su lugar del minuto 24 al 33 aproximadamente.
Así mismo, la melodía-sonido del principio y final de este film y los últimos planos los grabé en su instalación-concierto “pop screens” en Festival De Otras Músicas ERTZ 2.015.
No me puedo olvidar de todas las personas de la asociación cultural ya desaparecida “Amalgama”, personas que preguntan y se hacen preguntas, buscan respuestas, comparten dudas, reflexiones, aciertos, errores, juegos.
Inolvidables paseos cazando sonidos, imágenes, ideas, conceptos,…
(duración 45 minutos)
(imágenes grabadas del 2.012 al 2.015)
(montaje final en 2015)
Sinopsis: Una estrecha y confusa unión de realidades paralelas, como la vida misma (o no).
Juanjo Aranguren (27-11-2015)

Imperial Eyes
Pablo Marte, 2015, 52′
Sesión en colaboración con el Cineclub Fas.
TELÉMACO, “AQUEL QUE LUCHA A DISTANCIA”.
– Según testigos presenciales, cuando Ulises regresa a Ítaca, Telémaco, su hijo, le recibe con «alegría televisada». Los expertos hablan de «gestión emocional en diferido».
– Se veía venir.
– ¿Cómo es eso?
– La Odisea comienza de un modo extraño. Durante los cinco primeros cantos, Ulises, el héroe, permanece ausente. Ítaca es narrada en escenas nocturnas, un reino de sombras en el que hay un extraño juego de espejos. Jala del relato el niño Telémaco, que se hace adulto. Ha crecido con la especulación como canción de cuna: la hacienda en peligro, los pretendientes de su madre, que aguardan su decisión una vez acabe el sudario, se dedican entre tanto a devorar el patrimonio y se jaman las mejores cabezas de ganado (el nombre de su madre, Penélope, significa «hilo que conduce la trama» y ella deshace de noche lo que teje de día: invención de la economía narrativa, y puesto que duerme sola en el cuarto donde teje, encima del telar, se dice de ella que «vive por encima de sus posibilidades»). Se observa en el joven una creciente «compulsión especular». El hijo trata de emular al padre ausente. Le imita con ahínco enconado. Cuando Ulises, aún sin descubrir su identidad, pero ya desprovisto de las mendigas vestiduras, se presenta ante Telémaco, este, admirando su cuerpo, «propio de un inmortal», le florea. Ulises se apresura entonces a declarar que es su padre. Por un instante se genera una incómoda confusión entre ambos, confusión que el tiempo hará insoslayable.
– ¿Fue por eso que el padre desterró al hijo?
– La luz no trae sino un nuevo juego de reflexiones especulares. Solo los perros reconocen a Ulises, que no obstante se apoltrona en el trono. Telémaco, que ya no puede ser Ulises con Ulises presente, se alinea con la disidencia más radical, un grupúsculo conspirativo que lleva el nombre de Weekend y se reúne en garitos de luz láser. Apela al cambio de los tiempos. De lo que sigue se han alimentado varios siglos de ópera. Detenciones. Prisión preventiva para el hijo. Y, finalmente, destierro. La escena pintada se conserva en el Hermitage: Ulises, una mano ocultando el rostro, señala con la otra el triste destino de su estirpe: un crucero por el Mediterráneo.
– Maldiciendo a su padre («lo lleva en sus ojos», murmuran los marineros), arrastrado por un «oscuro romanticismo», viaja Telémaco a las islas Afortunadas, antaño tierra de cíclopes, al encuentro de Polifemo, la bestia antropófaga al que su padre burló, cegó, expropió, ahora borracho de puerto y tugurio. ¿Qué es este «oscuro romanticismo»? Se habla de FUERZA A TRAVÉS DE LA REPRESENTACIÓN (Kraft durch Vorstellung), VOLUNTAD DE MUNDO, DESEO CIEGO, CULTURA QUIRÚRGICA, LUMPENDEPENDENCIA…
– Admiraciones no correspondidas, que, sobra decir, son las que saquean y matan. En el fondo, la sacudida que precede la vuelta al orden. Él es producto de los reajustes que precipitan una evasión de época.
– ¿Una evasión de época?
– Las épocas no solo cambian en el tiempo. Se las puede trasladar de un lugar a otro. Hay auténticos vertederos de épocas, donde estas quedan abandonadas. Hay, también, paraísos epocales, en los que no se les debe tributo.
– ¿Busca Telémaco un paraíso epocal?
– Busca argumentos con vistas. Immobile-aire. Poor rich boy.
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Pablo Marte (Cádiz, 1975) es artista e investigador. Su trabajo gira en torno a cómo se articulan – y re-articulan- los procesos de significación de la imagen y la producción de discurso, a través de una práctica sintomática, expansiva y heterogénea del montaje. Ha mostrado su trabajo, de manera individual y colectiva, en contextos como Canibalia (Kadist Art Foundation, París,2015) First Thought Best (Eremuak, Artium, Vitoria 2014), Marginalia (Arteleku, Donosti, 2013), Festival Pantalla Fantasma (Bilbao, 2013); L’Occasione (Bilbao, 2012), EspaiDos (Terrassa, 2010); Antes que todo (CA2M, Móstoles, 2010), entre otros. En 2012 fue residente curatorial en la Fundación Bilbaoarte, donde desarrolló el ciclo intermitente de exposiciones Enter the Ghost, Exit the Ghost, Re-Enter the Ghost. Participó en la programación de HPC de consonni con El Problema está en el Medio y, también para consonni, escribió y dirigió la obra teatral Again, against, estrenada en el marco del BAD, Festival de Teatro y Performance de Bilbao (2013). Ha publicado el proyecto editorial Pretty Woman, desplegado en un ensayo de ficción y diez intervenciones. Actualmente desarrolla junto a Marion Cruza una serie audiovisual en 12 capítulos para Tabakalera, titulada Mañana Goodbye.

Suggestive gestures
David Finkelstein, 2014, 75’
Versión original con “subtítulos” en inglés
Creado e interpretado por David Finkelstein and Cassie Tunick
Música, edición y diseño visual por David Finkelstein
Viajando por el sendero de un laberinto, el espectador pasa a través de una serie de paisajes extremadamente diversos, los cuales son creados por una exquisita animación, evocadora música de orquesta, riqueza en diálogos, cuyas palabras son usadas tanto como ritmo y textura como en sus significados mismos. Un hombre y una mujer nos guían en este viaje, llevándonos entre pinturas de Mondrian que caen suavemente, violentos choques de coche y bombardeos, y una pareja que baila, cajas multicolor, entre otros muchos elementos. Basada en una performance improvisada, “Suggestive Gestures” nos conduce gradualmente e indirectamente hacia un misterioso animal, escondido en el centro del laberinto.
Traveling along the path of a labyrinth, the viewer passes through a series of extremely diverse landscapes, which are created through lush animation, evocative orchestral music, and rich dialog, in which words are used as much for rhythm and texture as they are for meaning. A man and woman guide us on this trip, taking us past gently falling Mondrian paintings, violent car crashes and bombing raids, and a pair of dancing, multicolored boxes, among many other settings. Based on an improvised performance, ‘Suggestive Gestures’ leads us gradually and indirectly towards a mysterious animal, hiding in the center of the maze.
Director David Finkelstein characterizes his film as a ‘landscape.’ Words, images, and music are all used to evoke a series of changing textures and an evolving inner landscape, which the viewer is free to enjoy in the same way one enjoys a captivating view: by savoring the spatial and color relationships, and becoming immersed in the mood and emotional flavor of each scene, without necessarily expecting the experience to make statements or tell a story. The words, all improvised by Finkelstein and actress Cassie Terman, become physical objects in the scene, where they literally create the landscape and generate the volatile, changing moods of the piece. ‘Gertrude Stein was the first one to suggest that language could be used to create a landscape, rather than tell a story,’ says Finkelstein, ‘and her idea is still proving to be a fruitful way to make performances and films.’
Despite the abstract nature of the film, many viewers will still see implicit meanings in the imagery. The image of the labyrinth and multiple references to the myth of the Minotaur call to mind the Jungian notion of the need we have to confront the monster within us, in order to embrace our whole nature and become free.
http://lakeivan.org/gestures

fausto2
Pedro Navarro, 2015, 46’
Versión original en inglés y castellano
Productor: Alex Zaballos
Director: Pedro Navarro
Equipo artístico: Carmina, Valeria, Ignacio Bort, Ana Elena, Miriam, Alicia, Gema, María, Santi, Roko, Araceli
Equipo técnico: Pedro, Ángeles, Lucas
Formato: 4:3
Trama: Carmina intenta hacer una segunda parte de Fausto montando una película con unas cintas que encuentra y que supone son brutos de cámara que pertenecen a una película inacabada. La hace en inglés aunque no lo domina porque le suena mejor fonéticamente. De paso va metiendo sus teorías sobre cosas mientras se graba la primera parte de Fausto, que hice hace años. Se basaba en su visión sobre el mito germano a partir de su consumo de ketamina.

Charlotte. Grey. Rocks.
Lorea Alfaro, 2015, 65’
Realización: Lorea Alfaro
Producción: Lorea Alfaro, Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.
Reparto: Alba Burgos
Fotografía: Jon Otamendi
Asistencia de sonido: Miguel A. García (Xedh)
Música: Rita Abadzi (O Vlamis Tou Psyri), Róza Eskenázi (Mas Kynigoun Ton Argile), Yiorgos Karras (Strive Logia).
Trama: Don’t mess with me, I’m hard.

Dusty stacks of mom. The Poster Project
Jodie Mack, 2013, 41
Versión original con subtítulos en castellano
Color, sonido.
Entrelazando las formas de filmación personal/íntima, animación abstracta y ópera rock, este documental musical animado examina el ascenso y declive de un negocio de venta de pósters y postales casi extinto; el cambiante rol de los objetos físicos y los datos virtuales dentro del comercio; y la división (o la falta de) entre la abstracción en las bellas artes y el kitsch psicodélico. Utilizando letras alternativas en una narración voice over, la pieza adopta la forma de un álbum de rock popular reinterpretado en un cine-performance.
Jodie Mack es una animadora experimental que hizo su maestría en cine, video y nuevos medios en la School of the Art Institute of Chicago en 2007 y, en la actualidad, da clases de animación el la Dartmouth College. Combinando técnicas formales y estructuras de animación abstracta/absoluta con las de los géneros cinematográficos, sus filmes artesanales utilizan el collage para explorar la relación entre en cine gráfico y la narración, la tensión entre la forma y el significado. Documental musical o archivo estroboscópico: sus filmes estudian materiales domésticos y reciclados para iluminar elementos compartidos por la abstracción de las bellas artes y el diseño gráfico producido en masa. Cuestionando el rol que desempeña la decoración en la vida cotidiana, estas piezas desatan la energía cinética de objetos ignorados y desechados. Los filmes de 16mm de Mack se han exhibido en múltiples recintos, entre ellos, el Images Festival, el Ann Arbor Film Festival, el Rotterdam Film Festival, el Edinburgh International Film Festival, y en la sección “Views From the Avant Garde” del New York Film Festival. Ha presentado su obra en programas individuales en sitios como los Anthology Film Archives, el Los Angeles Filmforum, el REDCAT, y el BFI London Film Festival.
Interweaving the forms of personal filmmaking, abstract animation, and the rock opera, this animated musical documentary examines the rise and fall of a nearly-defunct poster and postcard wholesale business; the changing role of physical objects and virtual data in commerce; and the division (or lack of) between abstraction in fine art and psychedelic kitsch. Using alternate lyrics as voice over narration, the piece adopts the form of a popular rock album reinterpreted as a cine-performance.
Jodie Mack is an experimental animator who received her MFA in film, video, and new media from The School of the Art Institute of Chicago in 2007 and currently teaches animation at Dartmouth College. Combining the formal techniques and structures of abstract/absolute animation with those of cinematic genres, her handmade films use collage to explore the relationship between graphic cinema and storytelling, the tension between form and meaning. Musical documentary or stroboscopic archive: her films study domestic and recycled materials to illuminate the elements shared between fine-art abstraction and mass-produced graphic design. Questioning the role of decoration in daily life, the works unleash the kinetic energy of overlooked and wasted objects. Mack’s 16mm films have screened at a variety of venues including the Images Festival, Ann Arbor Film Festival, Rotterdam Film Festival, Edinburgh International Film Festival, and Views From the Avant Garde at the New York Film Festival. She has presented solo programs of her work at venues such as the Anthology Film Archives, Los Angeles Filmforum, REDCAT, and the BFI London Film Festival.

Joc inútil The Movie
Pau Magrané, 2015, 70’
Joc Inútil The Movie es una película-recorrido que documenta parcialmente un videojuego de PC creado enteramente por Pau Magrané como una “finissage” y una libre interpretación de una exposición producida por Pau Sampera en Banana Headquarter en Barcelona. La película consiste en dos largas tomas que juntas duran 70 minutos, el sonido ha sido grabado desde dentro del juego mismo y varía dependiendo de la zona en la que el actor/director se está moviendo virtualmente.
Joc inútil The Movie is a walkthrough movie that partially documents a PC video game created entirely by Pau Magrané as a “finissage” and a free interpretation of an exhibition produced by Pau Sampera at Banana Headquarter in Barcelona. The movie consists in 2 first long shots which together last 70 minutes, the sound is recorded from inside the game itself and varied depending on the zone the actor/director was moving virtually.

Hand Crash Made
Hand Crash Made es un resumen visual de Crash de Cronenberg aislando solo los planos donde las manos devienen protagonistas sirve de pretexto para articular un live audiovisual donde se sonoriza la narración en tiempo real. Un ejercicio a medio camino entre la electrónica sonora y la remezcla visual. Esta pieza es una evolución de la investigación sobre gesto que trabajé en mi residéncia en Nau Estruch 2015.
El trabajo de Sergi Botella gira en torno a la realidad más cotidiana bajo la premisa de evidenciar los complejos engranajes afectivos y emocionales que definen nuestras rutinas diarias. Una estrategia que, desde la práctica artística, le permite ensayar fórmulas de ficción indisolubles de aquello real y verídico. Un sistema narrativo en constante proceso que toma como punto de partida las vivencias personales del artista, así como las relaciones e influencias surgidas de aquellos entornos inmediatos en los que se mueve. (David Armengol, 2012)
Sus últimos trabajos se han expuesto en La Capella (Barcelona), Centro de la Imagen Virreina (Barcelona), Espacio Cultural Caja Madrid (Barcelona), Glogauër (Berlin), Mousontourm (Frankfurt ), TV3, Loop Festival (Barcelona) y diversas galerías; Junefirst Gallery o Nogueras Blanchard.
http://www.sergibotella.com

Elbis Rever y los videoclips
Elbis Rever es una banda formada en Varsovia en 2007. En sus inicios sus componentes fueron Faezeh Araee, Janina y Aleksandra McCormack, Alba Burgos y Natalia Vegas, desarrollandose en la actualidad principalmente en Bilbao. Su música es una interpretación cercana del pop en la que los estilos musicales se mezclan de manera caótica y sin una forma concreta predeterminada. El momento performativo es de gran importancia para este grupo que cuida sus salidas al escenario con la interpretación de sus temas a modo “karaoke” y una imagen que se va construyendo en el directo, mostrando al mismo tiempo crudeza, seducción y vulnerabilidad.

Taller: El Pop del Terror
Storm and Drunk quiere hacer un taller de creación colectiva llamado El Pop del Terror. Su plan es a través del análisis de una película de terror contemporáneo (de los últimos 10 años) y un videoclip (también de los últimos diez años) generar una pieza de vídeo donde se representen las conclusiones a las que ha llegado el equipo de forma lúdica y experimental.
Plan:
Miércoles 20 enero (10:00 ~ 20:00)
Analizar la película y el videoclip y hacer una lluvia de ideas para descontextualizar y reelaborarla en un vídeo de creación colectiva. Ese mismo día planificaríamos lo que necesitaríamos para rodarla.
Jueves 21 enero (10:00 ~ 17:00)
Rodar el video y editarlo, proyectándolo esa misma tarde.
Inscripción: 20 €
Material necesario: Creatividad y pendrive
Plazas limitadas
Lugar: Puerta (C/ Zabalbide 17, Bilbao)
Contacto: pantallafantasma@gmail.com
Nombre: Storm And Drunk
http://www.stormanddrunk.com/index.php
Opera desde: Septiembre de 2014
Fundadores y participantes: Zony Gómez y Raisa Maudit.
Raisa Maudit, artista visual (Canarias, 1986).
Me muevo y trabajo en diferentes ámbitos tanto dentro del ambito del Arte Contemporáneo como de los movimientos sociales y circulos/circuitos/colectivos de caracter político y activista. Me licencié en Bellas Artes con especialidad en Imagen por la Universidad de Barcelona en 2010, y poco después me trasladé a Madrid donde realicé diferentes estudios y workshops tanto con artistas, y coletivos artísticos, como estudios específicos sobre política, crítica tecnológica, TIC y género. Mi proyectos han estado presentes en galerías, ferias y museos europeos como MUSAC, Gitte Bohr Gallerie: Club fur Kunst und potisches Denken, Espacio Flausina Lx, Canarias Mediafest, Fundación Antonio Saura, Espacio Trapezio, ESTAMPA, CA2M, Galería Fernando Pradilla, ARTIUM o LABoral Centro de Arte entre otros.
Combino mi práctica como artista visual con proyectos de comisariado, talleres teórico prácticos tanto sobre política, creación artistica, autogestión e hibridaciones (en/desde lugares/equipos/insituciones como Serendipia, Agenda Magenta, Facultad de Bellas Artes – UCM, INJUVE, etc). En 2015 he formado parte del Comité de Selección de la plataforma INTRANSIT de La Universidad Complutense en colaboración con Pista34 y formando parte de las actividades que se realizarán en Octubre de 2015 dentro del laboratorio en “On the Road”.
Mi trabajo por norma general se mueve entorno a representaciones de los deseos, necesidades y expectativas individuales y colectivas en confrontación con los patrones socio-políticos establecidos, con especial interés en los límites de lo convencionalmente correcto. A menudo en forma de pregunta, dedo señalador o pequeña rebelión, y usualmente mediante el humor como acto subversivo. La idea es lanzar preguntas al aire que se pide al espectador que responda, obligándolo a posicionarse forzosamente, a evitar el termino medio. Normalmente trabajo de forma multidisciplinar: video, fotografia, sonido, acción, instalación según el proyecto o la pieza que esté desarrollando.
Zony Gómez (Murcia, 1988).
Vengo desde Murcia a formarme en Publicidad y R.R.P.P , estudios que no acabé por no sentirme relacionado con ellos; no estando a favor de la manipulación social con fines mercantiles. Tras este corte prosigo pero esta vez orientándome a la Dirección de Arte y Escenografía, estudios que me han abierto las puertas a diferentes proyectos de Cine, Teatro y Moda. Pero que no han podido hacer visible mi relación personal con el ambito artístico, que es una relación de fuerza, agitación y dispersión.
En todo lo que hago intento hacer paralelismos entre diferentes elementos de la Cultura Visual, para buscar nuevas relaciones de ideas. Para seguir explorando mis inquietudes creativas y en 2014-2015 cursé el Master en Practica Escenica y Cultura Visual en MNCARS.

Statement:
Somos S.A.D (Storm And Drunk).
Nuestro nombre nace de una reinterpretación de Sturm und Drang (Fuerza y Empuje), un movimiento artístico surgido en el seno de la Revolución Industrial en Alemania que al reivindicar la importancia de lo subjetivo y la exaltación de la experiencia desaforada frente al racionalismo ilustrado se convirtió en la antesala del movimiento romántico. Su esencia puede interpretarse como la contestación rebelde de una generación que ya no se identificaba con unos valores culturales comedidos e hipócritas. Nosotras queremos rescatar esta actitud inconformista, sometiéndola de manera irónica a un cuestionamiento político que pretendemos aplicar a nuestra práctica y concepto vital como colectivo, huyendo de postulados estaticos y tabúes.
Ponemos en practica esta actitud creando un colectivo que opera en un Espacio cultural. Queremos establecer nuevas relaciones, colaboraciones y diálogos con el tejido cultural de la ciudad de forma subversiva, lúdica, no-jerárquica y transversal intentando cubrir un nicho cultural que, creemos, existe. De esta forma abrimos nuestro entorno y nuestra vida a la colaboración y el enriquecimiento colectivo. Con este fin nos establecemos como asociación cultural produciendo y mediando proyectos y ofreciendo un espacio de co-working.
Actividades regulares: Ofrecemos un espacio abierto al público y vivo, en el que se puede interactuar con exposiciones, proyectos colaborativos, talleres, propuestas escénicas o foros de debate, lo mismo que como un lugar de encuentro donde usar nuestra biblioteca, nuestro wifi, o charlar con nosotras.
Al mismo tiempo también es el estudio de trabajo de S.A.D como colectivo que produce contenido dentro del arte contemporáneo, como también es estudio de trabajo de cada una de nosotras por separado.
Breve recorrido histórico del Espacio/Colectivo: Comenzamos como un proyecto de amigas artistas que queríamos crear tanto un lugar para nosotras como un lugar para la comunidad, con unas intenciones muy definidas. Encontramos que en el presente cada vez es más difícil vencer postulados y se ha instaurado una suerte de establishment de control basado en la autocensura dificultando crear lugares en los que trabajar desde lo político en las artes. Entendiendo lo político como un agente revolucionario, no panfletario. Desde ese punto de vista poder trabajar trasversalmente uniendo mundos que en los circuitos artísticos aparecen desrepresentados: desde lo que está fuera del sistema a lo mas incluído, desde lo queer a las políticas de des-hegemonización heteropatriarcal, desde la práctica escénica y el cuerpo, hasta la autoría, lo que es trabajar en comunidad y la importancia de mantener una voz crítica en los tiempos que nos tocan. Siempre de una forma lúdica, subversiva y participativa intentando acercar al público a la creación y la creación al público, y manteniendo unas prácticas que beneficien tanto a lxs creadorxs como al tejido social.
Hemos colaborado con instituciones, colectivos, agentes culturales de todo el espectro del estado español como SOLAR, Mujeres en las Artes Visuales, Pista 34, Revista Ecléctica, MNCARS, CA2M, Desvelarte, Intransit, entre otros. De cara al nuevo curso estamos preparando proyectos internacionales en red con Guatemala y Londres, continuando nuestra línea y apostando por una mayor relación con el tejido cultural nacional.
También a mediados de 2015 conseguimos un crowdfuning que asegura el espacio y se nos ha concedido la beca para espacios de INJUVE.